Ciudades cosmopolitas, lucha
entre lo americano y lo europeo, personajes atormentados, largas conversaciones
y monólogos acerca del arte, la sociedad y el amor o relaciones inverosímiles, son ingredientes fundamentales dentro de la
filmografía de Woody Allen, pocas veces valorado y entendido, no se puede
ignorar que es uno de los directores más
originales y más identificables de la época.
Dentro de sus decenas de
películas y sus casi 50 años dentro del cine, seleccionamos cinco películas que
definen su manera de hacer el cine.
MIDNIGHT IN PARIS -2011
Con Owen Wilson y Marion
Cotillard como personajes principales, respaldados por variado elenco, tanto
francés y como estadounidense, Medianoche en París cuenta la historia de un
escritor americano; Gil Pender que siente nostalgia por el pasado que no vivió y
con la firme sensación de haber nacido en la época equivocada (complejo de la
Edad de Oro). Durante el desarrollo de la historia Gil (Wilson), tiene la
oportunidad de conocer a las mentes más grandes de principio de siglo, y se
enamora de la musa de Picasso y Hemingway (Cotillard) quien a su vez tiene su
propio complejo de la Edad de Oro,
trasladándolos a la Belle Époque de finales del siglo XIX.
Midnight in Paris, retrata el
propio sentimiento de Allen de
pertenecer a una época equivocada, es su propio discurso, como en la mayoría de sus
películas, enmarcando la posibilidad de imaginar cómo sería mi vida, mi arte y
mi personalidad si hubiera vivido en un
época diferente.
La conclusión básica a la que
llegas es que en algún momento específico es un deseo humano común el desear
vivir bajo distintas circunstancias; circunstancias que nos liberen, dejar de
lado las limitaciones de nuestro tiempo o nuestro espacio, lo cierto es que las
circunstancias en las que nos desarrollamos son las circunstancias perfecta y debemos de vivir y trabajar sobre
las limitaciones o libertades que nos ofrezcan.
MANHATTAN 1979
Precedido de Annie Hall e Interiors, Allen recalca la
belleza de la idealizada Nueva York, y
retrata superficialidad de las
relaciones contemporáneas en la clase intelectual de Nueva York. Allen sienta
el precedente de las comedias románticas, que reflejan la profundidad de las
relaciones actuales, en un contexto de comedia.
Woody Allen como actor parece
obstinado en exponer todas sus ideas, que en algunas secciones de las
películas, los diálogos llegan a ser monólogos, que exponen el propio
pensamiento del director acerca de la vida en Nueva York y las relaciones
interpersonales. Los personajes secundarios parecen olvidar en pantalla la
obsesión del director, y parecen solo participar en los diálogos para alentar
su necesidad de seguir expresándose, común dentro de la filmografía de director
neoyorquino, ya sea aparezca o no en sus películas, siempre hay un personajes
conflictuados por la trama o subtramas de la historia, algunas de ellas suelen
ser una exageración del propio Allen, lo cual ya es mucho decir, como en la película de 2009
Whatever Works, donde el personaje principal refleja la postura exagerada de
temas comunes tomados en varias películas.
Otras de las características de
la película es la fotografía en blanco y negro, realizado por Gordon Willis, en
la cual Woody Allen pretendía representar el amor que tiene por la propia
música, específicamente la música de George Gershwin.
VICKY CRISTINA BARCELONA 2008
El
hecho de que se realice en un país hispano, promete, aunado a incursión de
probablemente los actores españoles más conocidos, teniendo diálogos en su
lengua materna. Woody Allen confronta dos culturas a través de sus personajes y
sus ideologías, Vicky es la representación de la cultura americana que conserva
una doble moral, preocupada por los convencionalismos triviales de la sociedad norteamericana,
quien intenta emanciparse de dichas barreras, pero que evidentemente no lo
logra y señala a quien si lo consigue.
Cristina es la antítesis de
Vicky, quien está en un constante descubrimiento de lo que quiere y lo que
busca para su vida, y logra liberarse e incluso avergonzarse de la cultura
moralista de la proviene, sin embargo el hambre que la caracteriza, también la
pone en una situación de constante insatisfacción.
Barcelona puede ser representada
por María Elena y Juan Antonio, ambos muestran el lado más positivo y negativo
de la cultura europea que tanto quiere contrastar Allen con la cultura
americana, María Elena personifica la
imagen de la autodestrucción y el descontrol sobre la libertad que tanto busca
Cristina, y Juan Antonio introduce un imagen de moderación y autodescubrimiento
sobre esa libertad personal.
Penélope Cruz en el papel que la
hiciera acreedora a un Oscar, personifica el libertinaje y descontrol personal,
mientras que situamos a Vicky en el lado opuesto representando la represión y
sumisión ante los dogmas morales, justo en medio de estas dos posturas se
encuentra Cristina, separada de la su cultura madre, que encuentra sofocante y
aburrida, en camino hacia la libertad y emancipación,
mientras que parece que Javier Bardem y su personaje de Juan Antonio parecen
ser los guías de Cristina en su camino.
Woody Allen nos sumerge en una historia llena de personajes femeninos llenos de contrastes y con una fuerte presencia, reflejo de la forma de ser de las mujeres actuales, basadas en las relaciones triangulares y la pregunta en el aire ¿pueden ser posibles?.
ANNIE HALL 1977
Hablando de relaciones neuróticas y conflictivas, Annie Hall enmarca las relaciones de dos intelectuales, que intentan llevar una relación romántica, que no vaya en contra de sus filosofías acerca de la vida.
Annie Hall representa la belleza de vivir en una de las ciudades más cosmopolitas del mundo, pero también el desconcierto y duda respecto a la vida y el amor de las generaciones en esa época, que hasta la fecha sigue en generaciones futuras, incluso a mayor escala actualmente.
Diane Keaton marca precedente en
cuanto a la manera de abortar una comedia romántica, con tintes de humor negro,
y su personaje ha sido la inspiración de numerosos personajes femeninos en
comedias de este estilo, mezclando el encanto y la locura de una persona que
intenta conciliar su ideología con sus sentimientos.
Woody Allen pone toda su visión y percepción del mundo a través
de la sátira al enamoramiento entre la clase intelectual, un personaje que no
se calla nada, y que por medio de sus largos diálogos define su crítica y
postura al respecto.
MATCH POINT 2006
Esta película es posiblemente la película mejor lograda de Allen en todos los aspectos, contiene lo mejor de las películas que definen el cine de este director, y excluye lo que no es tan bueno. Match Point parte de la idea de que la suerte es la virtud más importante, por encima de la riqueza, la belleza o el talento. Centrándonos en la vida de Chris, un ex tenista como mucha ambición, quien por casualidad se relaciona con una poderosa familia, que incluye a la hermosa novia del hijo mayor, con la que posteriormente desarrolla una relación amorosa.
La idea básica de Woody Allen en
esta película hacernos dudar sobre nuestra percepción de la justicia, si es que realmente existe, y pone por encima de
esta a la fortuna. Chris representa la suerte, que alienta a la ambición,
mientras que Scarlett Johansson en su papel de Nola es la representación de la
belleza y la juventud, mientras la familia Hewett es la representación de la riqueza,
ambas sucumben ante la suerte y la
astucia de Chris.
Otra subtrama que Woody Allen quería mostrar es la carrera
fallida como actriz de Nola, que quien a pesar de su aspecto físico y el apoyo
de su novio, no consigue desarrollarse en actuación, reforzando la trama
principal y poniendo sobre todo otra vez a la suerte y fortuna.
El último punto es como Chris el
personaje principal va desencadenando eventos dentro de su vida que van
incrementando su ambición, y que es cierto momento de la película la lucha es
entre la ambición en aumento y la suerte, que tanta suerte tiene el personaje
principal, para respaldar su ambición y que al mismo tiempo le aseguren poder
seguir conservando su pasión por Nola.
Woody Allen puede despertar
opiniones encontradas, para algunos es la voz de una generación que quiere
expresarse en un mundo que gira muy rápido, y para otros son un montón de palabras y un hombre neurótico y egocéntrico,
aunque lo cierto que su aportación al mundo del cine es única y marcado un línea
en la forma de hacer cine.
